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LA CURVA / ISRAEL GALVAN / FESTIVAL FLAMENCO NÎMES.

Il y a peu d’artistes aujourd’hui de la trempe d’un Israel Galvan, capables comme lui de restituer l’essence même de son art, plonger aux tréfonds de sa danse et l’expurger de tout maniérisme et fioriture pour l’emmener au plus haut de son expression et de sa modernité. Un parti-pris brutaliste et une attitude très pura, qui laissent certainement perplexes les aficionados du baile flamenco classique, mais qui ravira les admirateurs d’une danse …

Roms, Tsiganes, Gitans, “gens du voyage”…De qui parle-t-on ?

Ceux que l’on appelait autrefois les « Bohémiens » ou les « Romanichels » sont aujourd’hui définis par les termes génériques de « Tsiganes » ou de « Roms ». Dans le langage commun comme scientifique, ces nouvelles appellations désignent l’ensemble des populations présentes en Europe et originaires du Nord de l’Inde, qu’elles ont quitté vers le Xe siècle pour migrer lentement vers l’Europe occidentale. Leur présence est attestée pour la première fois dans l’Hexagone en 1419. Par des emprunts linguistiques, culturels et religieux dans les pays d’installation, ces populations sont définies en différents groupes : Roms, Manouches, Yéniches, Gitans et Sintis. En 1971, des membres de ces différents groupes ont choisi le terme générique de Roms pour s’autodéfinir comme mouvement politique au sein de l’Union internationale romani. Le choix du terme « Rom » s’explique par la référence à leur langue, le romani, dérivé du sanskrit, et par le rejet de la connotation péjorative du terme « tsigane ». Au sens sociologique cependant, les Roms ne représentent qu’un « sous-groupe » des Tsiganes – le plus important certes – et présent essentiellement en Europe centrale et orientale. C’est ce sens sociologique que nous retiendrons ici pour le terme « Rom ». Parmi les autres Tsiganes, les Gitans se sont durablement installés dans la péninsule ibérique, puis dans les villes du Sud de la France. Originaires des pays germaniques, les Manouches, Yéniches et Sintis sont, à l’instar des Roms, plus présents dans l’Est de la France et en région parisienne. L’ensemble de ces appartenances ethniques ne doit pas être confondu avec l’expression « gens du voyage », laquelle ne constitue qu’une catégorisation administrative. D’origines ethniques diverses, les « gens du voyage » sont souvent semi-sédentaires, leurs déplacements s’effectuant surtout pour des raisons professionnelles et des fêtes familiales et religieuses. Beaucoup sont des forains ou des commerçants ambulants, qui utilisent les aires d’accueil dont chaque commune de plus de 5 000 habitants a obligation de disposer depuis la loi Besson de juillet 2000. Une très large majorité a la nationalité française et parle français. En 2002, on recensait 156 000 « gens du voyage » de plus de 16 ans. Une catégorie qui inclut une part non négligeable de Tsiganes, mais aussi tout autre citoyen dont le mode de vie consiste à loger en caravane. Le langage courant assimile fréquemment ces « gens du voyage » aux « Roms ». Ces derniers sont pourtant très majoritairement sédentaires, mais ont été poussés à la migration par des conditions de vie difficiles dans leur pays d’origine. Les Roms se sont sédentarisés en France par vagues successives d’immigration entre les années 1920 et 1990, sans jamais poser de problèmes. Mais ceux arrivés à partir des années 1990 connaissent des problèmes d’intégration sur le territoire national plus importants. Il s’agit de quelque 15 000 Roms, de nationalité essentiellement roumaine et bulgare, mais venus aussi de l’ex-Yougoslavie et de Hongrie, qui peuplent – parfois depuis plus de quinze ans – les squats et bidonvilles des friches des villes françaises. Ils sont aujourd’hui identifiés comme le problème politique numéro un par l’actuel gouvernement français, et devenus la cible d’un important dispositif de démantèlement de leurs camps et de reconduites à la frontière. La circulaire du 5 août 2010 émanant du ministère de l’Intérieur, adressée aux préfets, stipulait que « 300 campements ou implantations illicites devront avoir été évacués d’ici trois mois, en priorité ceux des Roms ».

Les Tsiganes : première minorité ethnique en Europe ?

Environ dix millions de Tsiganes estimés en Europe, dont la moitié n’aurait pas 20 ans. Sur le million et demi présent en Europe occidentale, 400 000 personnes se trouvent en France et 720 000 en Espagne. Les populations tsiganes vivent donc principalement dans les pays d’Europe centrale et orientale : la Roumanie et la Turquie en comptent chacune près de deux millions, la Bulgarie et l’ex-Yougoslavie chacune près d’un million, et la Hongrie 700 000. Les Tsiganes constituent dès lors la minorité ethnoculturelle la plus nombreuse d’Europe. Mais face à la diversité culturelle qu’elle recouvre, peut-on vraiment parler d’une « communauté rom » ou « tsigane » ? Prenons pour exemple la composition de la population tsigane de Seine-Saint-Denis. Qu’ont en commun les migrants roms des pays de l’Est, errant au rythme des démantèlements de leurs habitats de fortune, avec les Gitans et Manouches venus respectivement du Sud et de l’Est de l’Europe il y a plus d’un siècle ? Mais la distance est également importante entre ces migrants roumains et bulgares, d’une part, et les Roms arrivés des pays de l’Est dans les années 1920-1930, puis 1960-1970 et fuyant l’ex-Yougoslavie. À l’instar des Tsiganes arrivés avant les années 1990 en France, ces derniers ont généralement la nationalité française, parlent le français, et résident fréquemment en habitat « standard » (appartement ou maison).

Source : Dossier d’actualité de la Veille scientifique et technologique, n° 30, octobre 2007

L.F

Chronologie
Fin XIIIe-début XIVe siècle : Les premiers Tsiganes arrivent en Europe depuis Byzance.
1419 – Arrivée en France des premières familles de « Bohémiens ». Une appellation due au fait qu’ils étaient porteurs de lettres de recommandation du roi de Bohème, leur région d’origine.
1749 – Rafle des Gitans en Espagne : 10 000 à 12 000 Gitans sont internés au simple motif de leur tsiganité.
1850 – Après cinq siècles d’esclavage, les Roms de Moldavie et de Valachie commencent à être affranchis.
1895 - Premier recensement des « Bohémiens et nomades » en France. 25 000 Bohémiens et 400 000 nomades sont dénombrés.
1907 – Vote d’un ordre du jour sur l’interdiction du pays aux Romanichels par la Chambre des députés français.
1912 – Adoption du carnet anthropométrique pour les professions ambulantes et les nomades à partir de 13 ans révolus. Conçu sur la méthode de fichage des criminels, il recense la composition de la famille, les empreintes digitales, les caractéristiques anthropomorphiques, des photos de face et de profil. Il devait être validé à chaque déplacement. Supprimé en 1969, il a été remplacé par un « titre de circulation » 1939-1945 – Au moins 300 000 Tsiganes périssent au cours du génocide nazi.
1940-1946 – Le 6 avril 1940, les Tsiganes, soupçonnés d’espionnage, sont assignés à résidence. Puis sont internés dans près de 30 camps en France, dont celui de Montreuil-Bellay, le plus important.
1958 – Tous les États du bloc communiste interdisent le nomadisme et promulguent des lois antitsiganes.
1971 – Organisation du Premier Congrès international romani.
2000 – Adoption de la loi Besson relative à l’accueil des « gens du voyage ». 42 000 places sont jugées nécessaires sur les aires d’accueil des communes de plus de 5 000 habitants. En 2008, moins de la moitié d’entre elles ont été aménagées. 2010 – L’Église catholique, l’Onu et le Parlement européen condamnent la politique française de reconduite aux frontières des Roms. Entre janvier et septembre 2010, plus de 8 000 Roms sont concernés par ces procédures.

TOUTES PHOTOGRAPHIES : L.A. / Copyright Eleonor Zastavia Webmag 2010 / Reproduction soumise à demande

(le torero Juan Bautista)

JACQUES DURAND publié sur Libération.fr Monde 29/07/2010 à 00h00

La région autonome affiche un désintérêt croissant pour la tauromachie depuis 1960.

En interdisant la corrida, le Parlement catalan a frappé un grand coup symbolique et donné le coup de grâce à une pratique en déshérence en Catalogne. Depuis plusieurs années, il n’y avait plus de corridas à Lleida, Tarragone, Figueras, Gérone, Sant Feliu de Guixols ou Olot, une des plus vieilles arènes de la Péninsule. Seule la Monumental de Barcelone continuait à en programmer : une quinzaine dans l’année. Elle voyait sa capacité, 19 582 places, faire le plein uniquement lorsque José Tomas y toréait : 2 fois l’an. Pour le reste, elle ne se remplissait qu’à 40% en moyenne. Dimanche, il y avait seulement 6 000 spectateurs pour voir toréer El Cid, El Fandi et Alejandro Talavante. Les aficionados, qui ont, en début de course, manifesté avec des drapeaux catalans au son de l’hymne de la province Els Segadors, menaient un combat désespéré.

A sa grande époque taurine, les années 40, 50, 60, deux plazas de toros y fonctionnaient en même temps et Barcelone proposait souvent plus de corridas que Madrid. Une programmation longtemps médiocre et tournée vers le tourisme, ainsi que la concurrence du football, l’essor dans les années 60 de la voiture Seat 600 conjugué à la proximité des plages, un prix élevé des places, le peu d’intérêt des nouvelles générations, la propagande catalaniste voyant dans la corrida un apport de l’Espagne honnie peuvent éclairer le lent détachement de Barcelone pour la Fiesta Brava. Malgré un léger renouveau ces quatre dernières années.

L’assaut animaliste imbriqué à des arrière-pensées nationalistes qui vient de poignarder la tauromachie n’est que le dernier avatar, local, d’une opposition séculaire. Au XVe siècle, Isabelle la Catholique voulait supprimer les jeux taurins. Ils tuaient trop de ses sujets. Un siècle plus tard Pie V les a proscrits : c’est péché pour un chrétien de mettre sa vie en jeu. En 1898, des intellectuels espagnols condamnent la corrida : les passions qu’elle déchaîne détournent le peuple de ses devoirs civiques à un moment où l’Espagne est en guerre contre les Etats-Unis. L’histoire est fameuse de cet écrivain qui se réjouit d’entendre sous ses fenêtres ses concitoyens crier «Guerra ! Guerra !» En fait, ils ovationnent le torero cordouan, Rafael Guerra.

L’Initiative législative populaire pour la suppression de la corrida qui est à l’origine du vote de mercredi fait des petits. A Madrid, les animalistes d’El Refugio ont recueilli les 50 000 signatures nécessaires pour imposer un débat au Parlement de la Comunidad madrilène. Les prohibitionnistes bougent aussi en Andalousie, dans la Comunidad de Valence. Des mouvements comme le Comité radicalement anti-corrida ou l’Alliance anti-corrida agissent aussi en France et se manifestent souvent devant les arènes comme à Céret (Pyrénées-orientales) le 10 juillet. Des initiatives politiques sont engagées au Parlement où existe aussi un groupe d’élus pro corrida. Le 9 juin, une proposition de loi visant à interdire les corridas et les combats de coqs a été déposée à l’Assemblée par les députées Muriel Marland Militello (UMP) et Geneviève Gaillard (PS). Elle n’est pas la première…

Exposition Barcelò à la Collection Lambert – Avignon jusqu’au 7 novembre 2010

Miquel Barcelò est un garçon-voyageur, dont les incursions dans de lointaines et savoureuses contrées ont toujours interrogé le travail. En Inde, en Pays Dogon, partout le Majorquin a posé ses bagages quelques temps, quelques années parfois, avec pour visée la découverte d’une culture exogène, puis la réappropriation de ses signes dans sa propre peinture. Evidemment, la tentation de l’exotisme, dans une telle démarche, peut représenter un écueil rédhibitoire. Mais Barcelò est un garçon plein de ressources, et, surtout, un peintre intelligent. Depuis ses premières grandes toiles qui l’on fait découvrir en Europe au début des 80′s, l’artiste n’a eu de cesse de ressourcer son oeuvre dans ces cultures lumineuses, telle celle du Pays Dogon, dont le Mystère et la profusion des signes, tellement étrangers à notre propre culture, est une véritable merveille pour ceux qui s’en approchent.

Cette symbolique quasi-chamanique, qui hante le récit animiste Dogon et qui dit si bien le monde, le peintre a su en décrypter les sources et les énergies, en multiplier les résonances. Ainsi de cette série de grands tableaux “Africains”, où la sur-matiération de la peinture recèle de petits trésors iconiques, grenades éclatées, personnages mystérieux, scènes de chasse ou de cueillette, tout un panthéon Dogon, aux animaux irrévérencieux et aux humains souriant à la vie, tous éléments solidaires de cette cosmogonie. Le traitement pictural vigoureux, tout en empâtements, raclures, vagues telluriques de pigments crevant à la surface du tableau… nous rappelle que le Peintre est un artiste physique, qui aime se coltiner la matière lorsqu’elle résiste, qui adore se confronter à des surfaces impossibles, avec toute sa rage et sa très grande habileté.

L’engagement physique, donc, comme dans cette fameuse performance créée en 2006 avec Josef Nadj pour le Festival d’Avignon, où le peintre et le chorégraphe se défiaient dans un maelström de terre glaise, pour écrire une oeuvre picturale unique, d’une énergie diabolique… Ou encore lorsqu’il s’attelle à ces grandes sculptures protéiformes, ces animaux endiablés, boucs, ânes, singes… ou éléphant, comme la superbe, magistrale sculpture qui trône fichée sur sa trompe sur la place du Palais des Papes. Car, Barcelò est également un sculpteur, et quel sculpteur ! Suivant en cela les traces de son illustre prédécesseur, son compatriote Pablo Picasso, Barcelò crée et remixe un bestiaire impressionnant de brutalité et de primitivisme. Ses oeuvres de glaise, de plâtre, de bronze disent beaucoup de sa Peinture, mais aussi de son implication d’homme dans la grande roue universelle. Elles en sont les scories et les ponctuations. Et tout ceci se retrouve dans la sédimentation hallucinée de l’oeuvre pictural, tout habité de cette grande rage devant l’Eternel, et pourtant célant cette incroyable douceur qui transfigure le tableau. Une expérience quasi-religieuse, mystique, pourtant résurgente d’une matérialité sans limite.

Et que dire ainsi de cette obsession marine, ces grands fonds, ces mers déchaînées ou simplement vibrantes, ce bestiaire de poulpes, de pieuvres et de calamars géants ? Très forte, très brute “Marejadilla” de 2002, mer-univers verdâtre, glauque, au sens premier du terme, dont la force tient justement à son apparente pesanteur, et à ce qu’elle en retient dans ses fonds. Une présence lourde pour cette oeuvre monumentale qui est donnée à voir dans les dernières salles de l’exposition. Et de ces très primitifs portraits à l’eau de javel et kaolin, cette argile dont on fait les porcelaines, creusés dans la masse noire et sans fond du fond, renvoyant ces visages à la tradition des gargouilles, et à l’iconographie religieuse de la démonologie. Quelque chose que le Majorquin doit bien connaître, les chapelles et églises de son pays étant farcies de ces représentations médiévales terrifiantes…

Il faudrait encore citer quelques petites perles, rencontrées tout au fil de l’exposition. Ces deux têtes, par exemple, deux “Pape Fang”, sculptures jumelles d’une expressivité très africaine, et qui en même temps nous évoquent clairement Picasso. Ou encore ce Crâne en Rouge, vanité de 2007 remarquable. Beaucoup de céramiques, également, autre héritage picassien, aux formes anthropomorphiques, ou simplement stylisées. Bref, un éventail conséquent des dix dernières années de son travail, dont la très grande vitalité éblouit.

Marc Roudier

Toutes photographies copyright LARRY CLARK

Une lecture de Pierre Guyotat, donc, ce 20 juillet, dans la cour du Musée Calvet. D’emblée, l’homme qui s’asseoie, sans un mot, devant son public qui attend, fixe les yeux vers le ciel, vers le haut, alors que la modératrice présente ce qui va advenir, surprend par la puissance qui émane de lui. Une force inquiète, qui le statufie, lui confère cette présence habitée, palpable. Puis, la lecture commence. Et l’on découvre cette voix musicale, une basse intime, presque familière. Et le texte, superbe, qu’il va déployer plus d’une heure durant, sans interruption ou presque, plongé dans la masse liquide des mots qui cognent, ce “remugle”, qui revient si souvent dans ce bel extrait de son dernier opus, “Arrière-fond” (Gallimard 2010).

Et c’est dans cet arrière-fond, justement, que l’on retrouve toute la langue de Guyotat, qui fouille, creuse, la chair même du récit, en tire le substantifique sexe, roule les mots comme des vagues et les emmène très loin depuis leur obscurité jusqu’à la lumière, aveuglante. Un Guyotat qui est là dans une langue sage, apaisée, presque classique, mais dont le fond cogne de toute force la guangue des mots, lève la pâte du récit jusqu’à l’éclat noir qui éclabousse, explose, tansfigure. Une langue transfigurante. Un diamant noir.

Ce Guyotat là, pourtant éloigné de ce que l’on a aimé quand on l’a découvert, subjugé par Eden ou le Tombeau, ce Guyotat-là vous envoie sa chair de mots à la figure. Il happe son auditoire dans son récit, l’entraînant très loin dans le corps même de l’écriture, qui dit si superbement le corps, la souffrance du corps, qu’il emporte tout, ravage tout. Pénétrer cette langue brûlante qui fouille, triture, jusqu’à l’épuisement.

Superbe musicalité de cette langue explosive, en fusion, dont il extirpe le récit jusqu’à la lie, s’accompagnant de cette main qui fait des vagues, un roulis ou un battement d’ailes, qui en cadence l’expulsion. Comment alors résister devant ce flot, cette régurgitation qui submerge, hypnoptise ? Comment ne pas se faire emporter par une telle déferlante ? Un très rare moment de beauté brute que cette lecture en immersion totale.

Marc Roudier

Apprivoiser la Panthère – ms Hala Ghosn – La Manufacture 12.35 h.

Réelle découverte que cette Panthère, objet théâtral surprenant, à mi-chemin de l’introspection autocentrée et distanciée d’un certain théâtre -très- contemporain, et du burlesque branché version Arte, qu’affectionnera le public plus au fait du “In”. Parti d’un sujet casse-gueule, qui aurait pu dégouliner de bons sentiments et de “correctitude” catho revisitée, la metteuse et sa troupe, très internationale, produisent là un “show” élégant et cultivé, un truc vraiment inclassable mais terriblement efficace et drôle.

Pourtant dieu sait que le sujet ne s’y prêtait guère, à la drôlerie. Du texte philosophico-chiant d’Amin Maalouf, “Les Identités meurtrières”, un grand bonhomme celà-dit, la metteur-en-scène franco-libanaise Hala Ghosn, qui sait de quoi elle parle, a contruit une Babel improbable, multipolaire, et enjouée. En gros, du théâtre terriblement vivant, proche, très proche, qui s’auto-dérisionne allègrement.. Du théâtre, quoi. Qui bouge, qui vibre, forcément très humain, y compris avec ses imperfections… D’ailleurs, ça commence fort, puisqu’après nous avoir fait le coup de la comédienne absente (mais ne dévoilons rien), le premier tableau, polyglotte, s’articule autour de deux caisses-cercueils, où l’on disserte joyeusement du sens de la vie et… de la mort. Tordant que ce “fossoyeur” qui se transmute en conteur à l’italienne, les yeux embués, plaisantant sur la disparition réitérée d’un même quidam, lors d’une talk embrumée de haschich. La suite, du même acabit, est un va-et-vient drôlatique, très Raï Uno, sur l’impossibilité de vivre ensemble. Un sujet très sérieux, important, surtout en notre époque un tantinet viciée par toute une ribambelle de dictateurs d’opérette, plébiscités par un électorat gavé à la télé-réalité et à l’indigence de la télé en général, votant et re-votant comme un seul homme pour des pantins médiatiques aux discours puants et bassement démagogiques. Mais, passons… Ne nous égarons pas.

Ce qui est sûr, c’est cette incroyable présence scénique, et un sens aigu de la composition, de la part de comédiens réellement formidables. Malgré quelques ficelles de la mise-en-scène, l’ensemble tient plutôt bien, et l’on sent chez ces acteurs une véritable envie. Le reste est à la hauteur : la scénographie dépouillée n’empêche rien de l’imagination visuelle dont font montre ses concepteurs. L’interactivité avec la salle est de bon aloi, sans jamais être racoleuse. La bande-son, les lumières, tout ceci est parfaitement calé, et fonctionne ad-hoc. Bref, un très bon morceau de Théâtre, rassénérant, vivifiant, ce qui n’est pas si fréquent dans ce Off proliférant ; sur un sujet, pourtant brûlant, essentiel, sur lequel nous n’aurions pas parié un kopeck, et traité ici avec beaucoup d’intelligence et, osons-le, parfois, d’émotion. Oui. Une très belle réalisation, d’ailleurs ovationnée à juste titre. Bravo.

Marc Roudier

Décidément, cette 64e édition est cruelle pour les spectacles donnés dans la Cour d’Honneur. Cet écrin majestueux qui symbolise si fort le Festival d’Avignon, est un ogre qui ne pardonne rien. S’y frotter consiste à en prendre au préalable toute la dimension, à en mesurer l’extraordinaire puissance. Entre un Papperlapapp chahuté par la presse et le public, et maintenant un Richard II que beaucoup s’accordent à trouver fade et par trop “classique”, la Cour, cette année, n’a pas été ce révélateur formidable, qui eut pu autoriser toutes les espérances. Il est vrai que ce cadre incomparable ne tolère ni l’approximation, ni la tiédeur. Il lui faut de la force, de l’imagination, le talent bien sûr, le charisme de grands comédiens et, surtout, l’étincelle d’une mise en scène audacieuse, afin de goûter pleinement la magie du lieu. Y jouer un grand texte, fut-ce celui qui a inauguré le premier Festival d’Avignon en 1947, ne suffit pas.

La Cour d’Honneur est un mythe. Malvenu celui qui croirait que se contenter d’en arpenter le demi-hectare de son plateau, malcommode mais unique au monde, est une fin en soi. Il faut l’habiter, avec rage, avec colère, se battre avec ces quatre murailles multiséculaires et les faire vibrer d’un Théâtre absolu. Ce que comprennent parfaitement, pour rester dans le “texte”, de grands metteurs en scène classiques, comme Sivadier, qui, il y a quelques années, nous y avait donné un Lear magistral. Ou encore, lui faut-il alors la conviction de l’innovation, et un grand artiste comme Castellucci, qui saura en révéler l’éclat absolu. Quoiqu’il en soit, l’on n’aborde pas la Cour s’en s’y être préparé, s’en en avoir mesuré la respiration, cette vibration si particulière qui enchante le public, on le comprend, lorsque le tour de force est réussi. Car c’est bien de cela qu’il s’agit, d’un tour de force, une confrontation guerrière, rageuse, âpre, avec cette Cour mythique. Un affrontement sans merci, avec toute l’énergie, toute la colère, toute la tempête du Théâtre.

Sans cela, ce demi-hectare de planches reste un champ en friche, et ces murailles demeurent désespérément infranchissables. Sans cette énergie brute et cette conviction rageuse, point de salut, point de Théâtre. Ce que n’ont guère compris, hélas pour cette 64e édition, un Christoph Marthaler ou un Jean-Baptiste Sastre.

Eléonor Zastavia, ce 23 juillet

Et voilà ! Une de plus ! Comme chaque année depuis que le Festival existe, une nouvelle polémique enfle sur Avignon. Ce 64e Festival n’échappe pas à la règle, donc, et suscite toutes les controverses. Rien de très neuf sous les remparts : Anciens contre modernes, tenants d’un théâtre de répertoire contre partisans d’un théâtre défricheur et novateur, ouvert, trans-disciplinaire, traversé de tout ce qui fait notre post-modernité… Le fait est que les deux spectacles de la Cour, n’ayant pas été vraiment à la hauteur des espérances, cette programmation 2010 a amplifié les critiques usuelles, et les défenseurs nostalgiques d’une vision “classique”, toujours prompts à se dresser contre la contemporanéité, rempilent de plus belle, quelques “arguments” de plus , pensent-ils, dans leur besace…

Il se trouve que l’un des spectacles qui a le plus souffert de la critique, voire de l’anathème, est bien le représentant d’un théâtre à “l’ancienne”, un texte classique dans une mise-en-scène convenue, avec des comédiens, bons, certes, mais qui n’ont pas réussi à transfigurer l’oeuvre de Shakespeare…

La réalité est que les deux directeurs de ce Festival, depuis le début de leur mandat, subissent l’ire des uns et des autres, pour peut-être de plus mauvaises raisons que leur programmation : motifs politiques, comme le suggèrent René Solis et Gérard Lefort hier dans Libération ? Simple jalousie de prétendants écartés ? Péché de trop grande jeunesse, comme il leur en a été fait le reproche très idiot au début de leur missionnement ?…

Pour notre part, nous voyons dans cette nouvelle polémique, artificiellement gonflée, la volonté de certains d’exclure le couple de la direction de ce Festival, pour de bien plus obscures motivations que la santé de celui-ci, excellente au demeurant. Que leur reproche t-on exactement ? Un manquement supposé à leur mission, alors qu’ils l’ont remplie plutôt brillamment ? Une mauvaise gestion ? tout le monde sait que ce n’est pas le cas… La qualité de leur programmation ? elle est remarquable, car risquée et “couillue”… Le rayonnement de ce Festival dans le monde entier ? Celui-ci est indiscutable, et le couple Archambault-Baudriller a largement contribué à l’amplifier.

Que recèle de pas très clair cette mauvaise polémique ? Qui, quel groupe de pression se cache derrière cette controverse, et l’alimente sournoisement ? Quel lobby a intérêt à déstabiliser le couple de directeurs ? Quel jeu mène réellement une certaine presse, dont les papiers enflammés descendent systématiquement les contenus audacieux de ce festival ? Que pense réellement le Ministre, peu versé, il le dit lui même, dans le Théâtre, et peu au fait, visiblement de ses enjeux ? Quelle est sa position ? Autant de questions auxquelles il va bien falloir répondre un jour…

Pour notre part, nous pensons que le Festival d’Avignon est beau, particulièrement depuis le mandat de ses actuels directeurs. Chaque année nous apporte son lot de découvertes extraordinaires, de moments de grâce, une jubilation rare… Bien sûr, quelques ratés, quelques approximations peuvent décevoir. En ne tentant rien, certes, l’on risque peu de se planter. L’immobilisme, la nostalgie, la tiédeur n’ont jamais fait une programmation. Une vision, qui interroge le sens du monde, et le sens de l’art… C’est ce que nous demandons à ce Festival, que perdure cette manière forte de nous bousculer, de nous titiller, de nous questionner. Et c’est pourquoi nous soutenons pleinement l’idée d’un troisième mandat de ses programmateurs, pour que vive ce Festival, encore plus beau, et toujours à l’avant-poste de notre contemporanéité.

E.Z. ce 25 juillet

Plus que quelques jours et les deux festivals auront fermé leur portes… Du premier, du Festival d’Avignon, nous retiendrons une programmation lumineuse, avec de purs joyaux que sont ce Out of Context vu hier soir dans la Cour du Lycée St Joseph, splendide. Un moment de danse pure, une très belle pièce d’Alain Platel, remarquablement maîtrisée, qui aura, une fois de plus, enchanté cette édition. Tout comme l’on fait, chacun à leur façon, le magnifique Casa de la Fuerza, Big Bang, Der Prozess, Gardenia, l’autre Platel, ou encore L’Homme sans Qualité… Une belle série donc, qui nous fait oublier les ratés du programme de cette 64 édition qui s’achèvera demain soir.

Le Off, lui, s’éteindra samedi. D’ici là, nous nous précipiterons voir les quelques pépites qu’il nous reste à découvrir. D’une manière générale cependant, le niveau de ce Off est légèrement en-deçà de certaines années. Trop de mauvaises comédies, de solos bâclés, de Commedia à la chaîne, trop d’inepties aussi, gâchent l’affiche. Et notre plaisir. Cela-dit, le Bruit du Off pense avoir fait son boulot, et extrait de cette masse indigeste les quelques spectacles qui valaient vraiment le déplacement, en assumant ses choix, forcément sélectifs. Un parti-pris de l’exigence, de la créativité, de la qualité, que nous revendiquons.

Le Bruit n’est pas là pour chroniquer au kilomètre une quantité exponentielle de spectacles. Ni pour faire plaisir aux théâtres, aux programmateurs, ou aux compagnies, que parfois, pourtant, nous connaissons fort bien. Le Bruit n’a jamais eu vocation d’exhaustivité. Non, nous n’irons pas voir tout, et n’importe quoi. Bien au contraire, nous avons bien l’intention de ne pas verser dans cette facilité qui consiste à ne pas choisir, à essayer de satisfaire le plus grand nombre. C’est exactement ce que nous reprochons à la direction du Off, le non-choix, le consensus mou, la non-pensée. Nous ne verserons pas dans ce travers, tant pis pour ceux que cela indispose.

Mettons donc à profit ces quelques journées qui nous restent pour tâcher d’aller voir ce que nous n’avons pas pu, par manque de temps, d’énergie, ou de curiosité. Et, même si la fin approche à grand pas, ne soyons pas mélancoliques. Seuls les Dragons ont le droit de l’être…

E. Z. ce 26 juillet

Hier soir, dans la cour du Lycée Saint Joseph, le vent s’était invité, et tentait une OPA sur l’oeuvre d’Alain Platel. Depuis les frondaisons du lycée, nous parvenaient ses grincements, onomatopées, borborygmes qui, s’additionnant à la Bande-son du spectacle naissant, se confondait avec lui, jouant la partition de Platel comme s’il l’eut pensée comme telle, et intégré cet éolien perturbateur dès le début à sa composition. Oeuvre classique par excellence, cette pièce, d’emblée, nous rappelle combien, et quoiqu’il s’en défende, Alain Platel est un chorégraphe. Entièrement nu, le plateau peu à peu prend ses marques : ce sont les corps des danseurs, des acteurs, les corps et uniquement ceux-là, qui viennent lentement habiter cet espace délavé, sans repère, si ce n’est le tas pathétique de leurs vêtements de travail, posé là comme un oubli, très rose, très brut, en fond de scène. Puis, lentement, le ballet -l’orchestre serions-nous tenté de dire- va se mettre en place, chacun des neuf danseurs prenant posément possession de l’agora. Dans nos oreilles, au-delà du vent qui s’immisce clandestinement, cette partition silencieuse, seulement ponctuée de barrissements, de vêlements, de dieu sait quoi exactement, des bruits animaux en tout cas, ou presque, on ne sait pas encore. Une bande-son dépouillée à l’extrême, sur laquelle le ballet va lentement glisser, qu’il va s’approprier en lousdé, sans que l’on s’en rende compte…

Grand moment que ce prélude, un opening très lent, comme un oratorio muet, qui nous renvoie à l’origine de cette création, alors que Platel était parti pour composer un Opéra, abandonné pour l’urgence de ce Out of Context, discret hommage à la chorégraphe Pina Bausch. Une oeuvre dansée, seulement, et uniquement cela. Dans le silence magnifique de la bande-son. Dans la crudité radicale de cette musique latente, sous-jacente, sur laquelle le ballet installe une aporie vertigineuse, avec toute la clarté, la précision, la superbe intelligence du signe, le corps fait signe. Un opening majestueux, dans lequel l’immersion se fait en douceur, sans heurt, presque à notre insu. Avec tout le répertoire formel, la science, la maîtrise et le brio d’un chorégraphe qui sait retenir ses effets, et travailler chaque séquence comme s’il s’agissait de la dernière. Comme si c’était ‘une question de vie ou de mort. A l’estomac, mais avec la tête. Et avec quelle évidence, quelle lumineuse perception du corps, quelle juste restitution… Une précision époustouflante, servie par des danseurs virtuoses.

Les danseurs. Parlons-en : son ballet est un monde. un ballet-Monde. Ses danseurs, les oiseaux migrateurs d’une seule fratrie. Un seul corps, éclaté, multiple, et pourtant solidaire. Jamais le terme corps-de-ballet n’aura été aussi juste, n’aura autant signifié cette agrégation, et ce lien inextinguible qui les meut comme un seul corps, justement. La virtuosité dont ils font montre est sans limite, semble t-il. Ensemble, profondément ensemble, ils parviennent à se jouer de l’espace d’un seul mouvement, d’un seul rythme, collé à la mécanique fluide de l’oeuvre. Jamais, à aucun moment, ne sent-on l’extrême fatigue des heures et des heures de travail sur le plancher, collectivement ou en solo, pour arriver à une telle expressivité, à une telle évidence.

Pourtant, le sujet même de Out of Context semblait une gageure : partir de ces langages corporels des exclus physiques de ce monde, celui des idiots congénitaux, des déficients, des autistes pour les décontextualiser, en créer une danse universelle, parfaitement lisible pour tous…
Inventer une danse-monde, heurtée, brisée, souffrante, pleine de ses empêchements et tellement nue. Exposer cette crudité même comme s’il s’agissait de la seule, l’ultime manière de danser le monde, de le révéler à sa terrible beauté. Sidération que cette gestuelle de la débilité, de la maladie, du handicap… petits riens, petites formes qui composent un langage d’une précision éblouissante. Platel a réussi là un tour de force, au sens plein du terme. Une révélation en coup de poing dans l’estomac, définitivement belle, et limpide.

Les quelques réserves concernant la fracture que représente le début de seconde partie, avec cette immixtion du tempo électro d’une danse plus illustrative, le coté décoratif de certains mouvements ou l’humour qu’il tente d’instiller dans son oeuvre afin d’en distancier, d’en adoucir le propos, ces quelques maladresses n’obèrent en rien la très grande force de cet Out Of Context magnifique, une oeuvre majeure, et un très grand moment de ce 64e Festival.

Marc Roudier

Exposition Barcelò à la Collection Lambert – Avignon jusqu’au 7 novembre 2010

Miquel Barcelò est un garçon-voyageur, dont les incursions dans de lointaines et savoureuses contrées ont toujours interrogé le travail. En Inde, en Pays Dogon, partout le Majorquin a posé ses bagages quelques temps, quelques années parfois, avec pour visée la découverte d’une culture exogène, puis la réappropriation de ses signes dans sa propre peinture. Evidemment, la tentation de l’exotisme, dans une telle démarche, peut représenter un écueil rédhibitoire. Mais Barcelò est un garçon plein de ressources, et, surtout, un peintre intelligent. Depuis ses premières grandes toiles qui l’on fait découvrir en Europe au début des 80′s, l’artiste n’a eu de cesse de ressourcer son oeuvre dans ces cultures lumineuses, telle celle du Pays Dogon, dont le Mystère et la profusion des signes, tellement étrangers à notre propre culture, est une véritable merveille pour ceux qui s’en approchent.

Cette symbolique quasi-chamanique, qui hante le récit animiste Dogon et qui dit si bien le monde, le peintre a su en décrypter les sources et les énergies, en multiplier les résonances. Ainsi de cette série de grands tableaux “Africains”, où la sur-matiération de la peinture recèle de petits trésors iconiques, grenades éclatées, personnages mystérieux, scènes de chasse ou de cueillette, tout un panthéon Dogon, aux animaux irrévérencieux et aux humains souriant à la vie, tous éléments solidaires de cette cosmogonie. Le traitement pictural vigoureux, tout en empâtements, raclures, vagues telluriques de pigments crevant à la surface du tableau… nous rappelle que le Peintre est un artiste physique, qui aime se coltiner la matière lorsqu’elle résiste, qui adore se confronter à des surfaces impossibles, avec toute sa rage et sa très grande habileté.

L’engagement physique, donc, comme dans cette fameuse performance créée en 2006 avec Josef Nadj pour le Festival d’Avignon, où le peintre et le chorégraphe se défiaient dans un maelström de terre glaise, pour écrire une oeuvre picturale unique, d’une énergie diabolique… Ou encore lorsqu’il s’attelle à ces grandes sculptures protéiformes, ces animaux endiablés, boucs, ânes, singes… ou éléphant, comme la superbe, magistrale sculpture qui trône fichée sur sa trompe sur la place du Palais des Papes. Car, Barcelò est également un sculpteur, et quel sculpteur ! Suivant en cela les traces de son illustre prédécesseur, son compatriote Pablo Picasso, Barcelò crée et remixe un bestiaire impressionnant de brutalité et de primitivisme. Ses oeuvres de glaise, de plâtre, de bronze disent beaucoup de sa Peinture, mais aussi de son implication d’homme dans la grande roue universelle. Elles en sont les scories et les ponctuations. Et tout ceci se retrouve dans la sédimentation hallucinée de l’oeuvre pictural, tout habité de cette grande rage devant l’Eternel, et pourtant célant cette incroyable douceur qui transfigure le tableau. Une expérience quasi-religieuse, mystique, pourtant résurgente d’une matérialité sans limite.

Et que dire ainsi de cette obsession marine, ces grands fonds, ces mers déchaînées ou simplement vibrantes, ce bestiaire de poulpes, de pieuvres et de calamars géants ? Très forte, très brute “Marejadilla” de 2002, mer-univers verdâtre, glauque, au sens premier du terme, dont la force tient justement à son apparente pesanteur, et à ce qu’elle en retient dans ses fonds. Une présence lourde pour cette oeuvre monumentale qui est donnée à voir dans les dernières salles de l’exposition. Et de ces très primitifs portraits à l’eau de javel et kaolin, cette argile dont on fait les porcelaines, creusés dans la masse noire et sans fond du fond, renvoyant ces visages à la tradition des gargouilles, et à l’iconographie religieuse de la démonologie. Quelque chose que le Majorquin doit bien connaître, les chapelles et églises de son pays étant farcies de ces représentations médiévales terrifiantes…

Il faudrait encore citer quelques petites perles, rencontrées tout au fil de l’exposition. Ces deux têtes, par exemple, deux “Pape Fang”, sculptures jumelles d’une expressivité très africaine, et qui en même temps nous évoquent clairement Picasso. Ou encore ce Crâne en Rouge, vanité de 2007 remarquable. Beaucoup de céramiques, également, autre héritage picassien, aux formes anthropomorphiques, ou simplement stylisées. Bref, un éventail conséquent des dix dernières années de son travail, dont la très grande vitalité éblouit.

Marc Roudier

Autant le préciser tout de suite, Ce Casa de la Fuerza est un sacré morceau ! Cinq heures de représentation, deux entractes, trois changements de décor, une pléthore de comédiens, performeurs, musiciens, et même un haltérophile et une infirmière !… Angelica Liddell a vu grand, et le résultat est impressionnant. Au-delà de ce moment de bravoure, reste une oeuvre atypique, totalement ouverte, qui joue et se joue de l’épuisement jusqu’à la lie. Une performance, dans le véritable sens du terme, un objet théâtral hybride, monstrueux, qui nous emmène très loin dans l’expérience du vivant, jusqu’à ses frontières… La Mort, parlons-en, puisqu’elle est, par essence, le fil du pitch de la Casa : Ces femmes, travailleuses des usines de la ville-frontière de Ciudad Suarez, que l’on retrouve au petit matin torturées, violées, puis étranglées, après parfois même été prostituées de force, puis finalement enterrées comme des bêtes dans les faubourgs de la ville-mirage. De ce drame, Angelica Liddell tire un récit extrême, halluciné, dont les tableaux à eux-seuls constituent une expérience limite des corps, et du Monde. Les comédiens, mais peut-être le terme de performeurs leur sied-il mieux, poussent leur résistance au bout du bout du raisonnable, nous livrant une véritable expérience physique, que le public partage forcément, Angelica Liddell ne nous épargnant rien de cette performance absolue, qui joue sur la durée et sur la résistance du spectateur.

Esthétiquement souvent très proche de l’art contemporain, et de ses performeurs historiques -les actionnistes Viennois, Gutaï, le Body-art ou encore Sophie Calle- cette oeuvre puissante, dévastatrice, dit magnifiquement le temps, son écoulement majestueux dans une dramaturgie éclatée… Ainsi de cette scène de 25 minutes, magnifique, de la première partie, où il ne se passe quasiment rien, sinon quelques infimes chuchotements, quelques gestes minimalistes, le tout dans une pénombre assumée : ou comment éprouver avec les acteurs cette durée, jusqu’au bord de l’implosion… Etre, enfin, au coeur du sujet.

Les acteurs, justement. Réellement impressionnants d’investissement physique, de conviction, d’art oratoire… A commencer par la meneuse, Angelica Liddell herself, qui nous donne là un numéro exceptionnel de maîtrise et de force… Quelques faiblesses, cependant, viennent altérer la réelle beauté de cette oeuvre époustouflante. Certaines longueurs hors-propos, comme dans la 3e partie, le final, qui gagnerait à un peu plus de concision. Et quelques lourdeurs symboliques, dispensables… Mais l’oeuvre est d’une telle évidence, d’une telle majesté, que ce ne sont que là des broutilles…

Autres points fort : l’omniprésence de la musique, avec notamment le violoncelliste Pau de Nut, qui ciselle littéralement la pièce de ses volutes profondes ; un texte pointu, très engagé, très contemporain qui parfois pourrait évoquer Rodrigo Garcia, en tout cas le meilleur de l’écriture théâtrale… Et cette obsession des corps, dénudés, lavés, scarifiés… toujours en rupture : une virtuosité physique et un travail sur le dépassement de soi, sur l’accomplissement, jusqu’à épuisement total. Visuellement un très bel objet abouti, dont les références multiples à l’art, nourrissent la scénographie, minimale sans être minimaliste, en accomplissant le projet sans en détourner un iota. Il suffit de se souvenir de l’extraordinaire scène de l’ensevellissement, où des mètres cubes de charbon sont manipulés par les acteurs, qui effectuent dans cette seconde partie des prouesses d’engagement physique…

Du corps, Angelica Liddell dit qu’il engendre la vérité. C’est si vrai dans cette oeuvre impressionnante, toute en force et en douleur. Une oeuvre engagée, violente. Un joyau brut qui a brillé longtemps dans le ciel du Cloître des Carmes hier soir, ovationné debout par un public resté avec Angelica jusqu’au bout de la nuit, pour l’accompagner dans ce moment de grâce.

Marc Roudier